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    Consejos para animación 3D enfocado a los niños

    20 abril, 2019

    Animar en 3D para los niños es un poco diferente a la animación para el público adulto.

    Bader Badruddin, de Blue Zoo, estará en Vertex el 13 de marzo para discutir cómo completar una toma de animación al estilo de los dibujos animados, de principio a fin, en su clase magistral. Blue Zoo es una de las estrellas del mundo de los dibujos animados CG y aquí está su colega Tom Box, con algunos consejos sobre cómo tener éxito.

    Animar para niños obviamente tiene mucho en común con cualquier otra tarea de animación, pero hay ciertos elementos que podrían necesitar un poco más de atención y enfoque.

    En Blue Zoo, tenemos cada vez más experiencia con la animación infantil, así que aquí están mis mejores consejos para este tema.

    Conozca a su público

    Esto no significa que sea una tontería – conozca quién estará observando y tome decisiones en consecuencia. No te dejes llevar por lo que crees que es gracioso en el momento.

    Desactivar la banda sonora

    Si no se puede seguir la historia porque requiere una exposición proveniente del diálogo, entonces la narrativa visual no es lo suficientemente clara.

    Ponga el personaje primero

    Por muy entretenido que pueda ser un gran evento de acción, la historia debe ser conducida por un personaje. ¿En qué viaje ha estado y qué ha aprendido?

    Enfoque

    Con cada toma, usted debe saber exactamente en qué se centrará la audiencia – no deje que se distraiga. Cada momento debe tener una razón y hacer avanzar la historia.

    Sea amable con sus personajes

    Los niños pequeños aprenden a un ritmo extraordinario, absorbiendo todo. Sí, necesitan que se les muestre a los personajes tomando malas decisiones, pero siempre debe haber una consecuencia. No uses la maldad como una forma de conseguir una risa rápida.

     

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    Cómo crear una animación con Photoshop y CrazyTalk Animator

    1 abril, 2019

    El animador Frank de Frank’s Doodles nos muestra cómo animar y crear con la herramienta Reallusion.

    Los dibujos animados son la mejor manera de compartir técnicas de diseño con personas que también pueden ser utilizadas tanto en situaciones artísticas como en situaciones más «prácticas». Y por supuesto, son muy divertidas de hacer! Soy diseñador multimedia, me ocupo diariamente de diferentes tareas de comunicación creativa, desde la ilustración hasta el diseño de sonido y la edición. Actualmente estoy usando CrazyTalk Animator de Reallusion para la mayoría de mi proyecto, y decidí unirme a su equipo de Desarrolladores de Contenido Certificados.

    Crear tu propio dibujo animado, dar vida, movimientos y voces a tus personajes es una experiencia increíblemente gratificante. Poder compartir nuestra propia historia con millones de personas es una aventura emocionante y hermosa que todo artista interesado en la animación debe probar: te hace crecer profesional, artística y personalmente. Hacer su propia caricatura es un proceso complejo que requiere una planificación cuidadosa y mucha paciencia, pero si desglosa sus tareas y aborda una a la vez, se convertirá en un proceso fácil y agradable.

    En esta guía les mostraré cómo estructuré mi trabajo para la producción de «Squangy & Mr.Bowlsacc», la animación de 3 minutos que ganó el primer lugar en el concurso Animación @ Work 2018. Usaremos Photoshop en combinación con CrazyTalk Animator 3.

    LA HISTORIA

    Una narración interesante es la base de toda buena animación. Hay muchas maneras creativas de crear historias convincentes, la que elegí para mi animación corta fue la improvisación. Es un proceso divertido que conduce a resultados divertidos e inesperados.

    EVALUAR SU PRESUPUESTO

    Una vez que su historia esté lista, es hora de pensar en los recursos y planificar su producción en consecuencia. Por ejemplo, piense en cuánto tiempo le llevará dibujar un fondo: ¿cuántos de ellos podrá crear antes de la fecha límite?

    DEFINIR SU ESTILO

    Definir el estilo de tu caricatura es fundamental. Todo tiene que parecer coherente y en línea con su presupuesto. Inspírese! Utilice sus dibujos animados favoritos como referencia y trate de desglosar los aspectos técnicos que desea reproducir.

    EL DISEÑO DEL PERSONAJE

    Estamos listos para comenzar la fase de pre-producción! Empieza dibujando tus personajes, ¡trata de divertirte lo más posible con ellos! Dibuje los fondos y los accesorios también. Siga refinándolos hasta que esté satisfecho con el resultado.

    CREAR EL TABLERO

    Ahora es el momento de crear un guión gráfico. Por primera vez verás a tus personajes en acción, comprobarás si tu historia funciona y tendrás la oportunidad de hacer cambios en los fundamentos de tu caricatura antes de empezar la fase de producción. Crear un animático, como hice en mi cortometraje, también es muy útil.

    DISEÑAR LOS FONDOS

    Si está satisfecho con su guión gráfico, puede comenzar la fase de producción. Normalmente me gusta empezar con el diseño del primer fondo. Me parece útil probar si mis opciones de diseño son buenas y sostenibles. Si no lo son, no es demasiado tarde para reconsiderarlos y dar un paso atrás.

    DISEÑO DE PERSONAJES EN PHOTOSHOP

    Crea la marioneta de tu personaje en Photoshop. Idealmente, usted usará este títere para la mayoría de las tomas. Si tu personaje tiene brazos y piernas, dibújalo en «T Pose», con las piernas verticales rectas y los brazos horizontales rectos.

    INICIANDO EL RIGGING A TU PERSONAJE

    Importa tu personaje a CrazyTalk Animator como 3G Free Bone Actor y empieza a añadir huesos con la herramienta Add Bone (el primer hueso debe ser colocado en la cadera). Trate de usar los huesos más pequeños posibles y añada más si realmente los necesita.

    RIGGING EN PHOTOSHOP: PARTE 1

    Haga clic en Iniciar en el editor externo de PSD para abrir su equipo en Photoshop: ahora CrazyTalk Animator y Photoshop están conectados en tiempo real. La carpeta RLBone contiene los puntos de anclaje de los huesos, la carpeta RLImage contiene los sprites controlados por los huesos.

    RIGGING EN PHOTOSHOP: PARTE 2

    Si el nombre de una subcarpeta dentro de la carpeta RLImage en Photoshop coincide con el nombre de un hueso en CrazyTalk, se generará una nueva capa en CrazyTalk Animator que será controlada por ese hueso. Nombra tus huesos sabiamente!

    RIGGING EN PHOTOSHOP: PARTE 3

    Una capa en CrazyTalk Animator puede alojar múltiples imágenes que pueden ser intercambiadas para crear animaciones complejas. En el modo Stage, haz clic con el botón derecho del ratón en tu personaje y selecciona el editor de sprites: aquí puedes ver todos los sprites que están unidos a cada uno de tus huesos.

    USO DE LA CABEZA QUE HABLA

    Ahora estamos listos para trabajar en la cabeza de nuestro personaje. Descargue los recursos de aprendizaje gratuitos de PSD desde el sitio web de CrazyTalk Animator 3. Abre el archivo Elastic folks y arrastra y suelta la carpeta RLTalking Head en el proyecto de tu personaje.

    CABEZA QUE HABLA A MEDIDA

    El Talking Head parece muy complejo, pero funciona utilizando los mismos principios de la plataforma de la carrocería. Reemplace las imágenes de plantilla de la subcarpeta Imágenes de cabecera por las suyas. Ajuste la posición de los huesos en la subcarpeta Hueso de la cabeza para que coincida con los nuevos rasgos faciales.

    ANIMACIÓN DE PERSONAJES

    Hemos montado un equipo muy complejo y estamos listos para animarlo. Seleccione el Editor de teclas de movimiento 2D y abra la línea de tiempo. Selecciona y mueve los huesos, cambia los sprites para cambiar las formas de las manos o las características del cuerpo. Establezca fotogramas clave en la línea de tiempo y reproduzca su animación.

    HAGA SU PERSONAJE EMOCIONALMENTE ATRACTIVO

    Si tus personajes son emocionalmente atractivos, tu audiencia estará más interesada en tu historia y será más indulgente con los errores técnicos. Trata de entender el alma de tu personaje. Actuar frente a un espejo es una buena práctica para interiorizarlo.

    TÍTER FACIAL PARA MR. BOWLSACC

    El equipo Talking Head ofrece diferentes tipos de técnicas de animación. Utilicé la animación en tiempo real con ratón y teclado para la animación facial del Mr. Bowlsacc. Produce movimientos lentos, fluidos y ligeramente retardados que son perfectos para personajes tranquilos, pacíficos o «ralentizados».

    EDITOR DE CARAS PARA SQUANGY

    Squangy, en cambio, es un embaucador estresado. Sus movimientos son más rápidos y dinámicos. La función de editor de Face Key funcionó muy bien con él, ya que pude elegir entre docenas de expresiones faciales e intercambiarlas muy rápidamente con un solo clic en la línea de tiempo.

    LIP-SYNC

    El Talking Head tiene un sistema automático de sincronización labial que funciona muy bien y acelera el proceso de animación. Sin embargo, no tengas miedo de tañer manualmente los sprites de la boca y exagerarlos si esto hace que tu personaje sea más interesante.

    CONSTRUYE TU ESCENA

    Ahora que hemos explorado la parte más compleja de la animación con CTA, podemos crear la primera escena animada. Importa tus elementos de escena como accesorios y ordénalos en la escena junto con tus personajes. Animar el plano utilizando las técnicas que hemos descubierto antes y exportar su animación final.

    COLOCANDO SUS ESCENAS JUNTOS

    Ahora es el momento de hacer algo de edición. Sigue tu guión gráfico o tu animatic. Si lo desea, puede añadir efectos especiales con After Effects. Lleve sus escenas a un software de edición como Adobe Premiere. Recuerde agregar música y sonidos de buena calidad. Su animación está terminada! Felicitaciones!

    La animación es un tema apasionante, y las nuevas tecnologías la están haciendo accesible a cada vez más personas. Crear tu propio dibujo animado es posible hoy en día, incluso si tienes poca experiencia como animador, gracias a herramientas increíbles como CrazyTalk.

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    15 maneras de mejorar la animación de tu personaje

    26 marzo, 2019

    Crear un personaje animado que sea creíble es un gran reto. Antony Ward ofrece algunos consejos profesionales para ayudarle a tener éxito

    Desde que los humanos se han arrastrado sobre la superficie de la tierra, hemos estado fascinados con el arte y el movimiento. Los primeros dibujos de cuevas muestran que incluso el hombre primitivo trataría de dar la ilusión de movimiento colocando las extremidades en sus bosquejos de animales.

    Hacia el siglo XIX, e incluso antes de la invención de la cámara de cine, Edward Muybridge utilizaba fotografías tomadas secuencialmente para ayudar a estudiar el movimiento humano y animal, imágenes que todavía se utilizan con frecuencia en la actualidad.

    Mejora tus habilidades

    Hoy en día estamos rodeados de animación de una forma u otra, ya sea en el cine, la televisión o los métodos más tradicionales. Así que con la animación a nuestro alrededor, ¿cómo puedes destacarte como animador y mejorar tus propias habilidades?

    Lo que sigue son 15 consejos para mejorar la animación de tu personaje. Aunque algunos de ellos están dirigidos a la animación 3D, la mayoría también se pueden aplicar a otros géneros más físicos.

    Observar personajes de la vida real

    Respirar vida a un objeto que antes era inanimado puede parecer una tarea sencilla, pero son esos sutiles matices los que pueden ayudar a retratar la emoción y dar una verdadera sensación de pensamiento y consideración detrás de cada movimiento.

    Observar a las personas, cómo interactúan, cómo se expresan e incluso cómo se mueven es esencial para ayudarle a adquirir una buena comprensión, no sólo del movimiento sino también del tiempo y el peso. ¿Por qué no tomarse un tiempo para salir, tomar un café y observar el mundo que te rodea? (No te estás saltando el trabajo: ¡es investigación!)

    Estudiar la psicología del movimiento

    Para imitar verdaderamente a alguien, primero hay que entender sus movimientos, no sólo el proceso del movimiento sino también la intención. No estoy sugiriendo que dejes todo y te matricules en tu universidad local, sino que investigues un poco.

    Todo lo que hacemos tiene un propósito, y la forma en que nos planteamos y nos sostenemos puede decir mucho. Entender los procesos de pensamiento detrás de por qué hacemos lo que hacemos, y cuándo, le ayudará a compartir esto a través de su animación.

    Buscar referencias del mundo real

    Coge un espejo y usa tu propia cara como referencia. A la hora de animar el rostro es imprescindible tener algo sólido a lo que referirse. Cuando se trabaja con locutores, la mayoría de los mejores estudios de animación los graban mientras establecen el audio para sus personajes. Este vídeo se pasa a un animador para que se refiera a él mientras trabaja, permitiéndole capturar las expresiones de los actores mientras hablan y se emocionan.

    Si esto no es una opción, ¿por qué no usar tu propia cara como referencia? Agarra un espejo y repite las palabras, o simplemente recrea expresiones clave para darte un buen punto de partida desde el que trabajar.

    Fílmese usted mismo

    Representando la escena usted mismo puede darle el bloque inicial que necesita

    Nunca se puede tener una buena idea de la forma en que una determinada animación debe ejecutarse mientras se está sentado en un escritorio, y las referencias en línea sólo pueden llevarle hasta cierto punto. Para entender cómo y por qué un personaje debe moverse de la forma en que lo hace, ¿por qué no grabarte a ti mismo realizando esa acción?

    Todos tenemos acceso a las cámaras de vídeo en estos días, de hecho, la mayoría de nosotros las tenemos en nuestros bolsillos. Así que en lugar de usar sus teléfonos para seleccionar y Facebook, ¿por qué no salir de su asiento y grabarse en acción?

    Actúa la escena tú mismo, y no importa lo áspero y vergonzoso que pueda parecer, esta grabación te dará un bloque de inicio esencial para luego trabajar sobre él. La posibilidad de hacer una pausa, rebobinarla y revisarla en cámara lenta le asegura que capturará todas las sutilezas que de otro modo se perderían.

    Mantenga su rig simple

    Animar con éxito en 3D no se debe sólo al talento del animador. La mayor parte de lo que pueden lograr depende en gran medida del rig que están utilizando. Un sistema rápido y genérico te dará las herramientas principales para usar, pero para darle a tu personaje esa ventaja, el rig necesita ser adaptado a las necesidades específicas del animador.

    Un rig poco profesional también puede aumentar la carga de trabajo del animador. Si gran parte de la mecánica y los sistemas subyacentes son de fácil acceso, podrían ser editados accidentalmente, lo que provocaría la rotura de un rig.

    Los mejores rigs son los que dejan al animador animar. Simplemente cogen al personaje y lo mueven sin ningún sistema complicado con el que lidiar, o viajan constantemente con el artista técnico porque la mandíbula está de repente al otro lado de la escena y no saben por qué.

    La forma clave posa primero

    Ver un montón de polígonos o arcilla de repente cobrar vida y mostrar emociones es realmente gratificante, pero eso no significa que tengas que apresurarte y concentrarte en cada pose en detalle, refinándola antes de pasar a la siguiente. Trabajar en un área pequeña a la vez significará que no estás viendo la imagen completa y esto puede resultar en que la secuencia no sea tan fluida o natural como debería ser.

    Seguir un sistema de estratificación le asegura que no está perdiendo un tiempo precioso. La primera capa debe ser de poses rápidas en cuadros específicos, para tener una sensación de tiempo. Luego, una vez que haya clavado los que puede ir a través y repetir el proceso, añadiendo más y más detalles con cada nuevo paso.

    Inicia con los ojos

    Si observas a las personas en su vida diaria (no de manera acosadora, sino de pasada), te darás cuenta de que con cada movimiento intencionado viene una secuencia específica.

    Primero los ojos se mueven hacia donde quieren ir, luego la cabeza y luego el cuello. Esto continúa bajando por el cuerpo hasta que eventualmente se mueven a donde su enfoque fue dibujado.

    Los ojos son lo que más nos atrae cuando miramos a alguien, y en la mayoría de los casos también son lo primero que se mueve antes que el resto del cuerpo.

    Estudiar los efectos de la gravedad

    La gravedad afecta a cada uno de los movimientos de tu personaje. La gravedad lo afecta todo, a menos que estés en el espacio. A medida que envejecemos, estamos en una lucha constante para mantenernos erguidos, lo cual nunca es más notorio que a través de nuestras partes sueltas y tambaleantes. Es esta atracción gravitacional, combinada con nuestra propia masa física, la que es crucial para capturar en cada movimiento.

    Caminar, por ejemplo, es un movimiento simple, pero gran parte de la forma en que nos movemos está dictada por nuestra propia constitución física. Si usted es alto y delgado, entonces puede ser más ligero de pie, mientras que alguien con una figura más llena tendrá una caída de pie más pesada, con la cintura más hundida a medida que tratan de levantar la parte superior de su cuerpo.

    Esto puede parecer un consejo obvio, pero es importante. Recuerde darle peso a su animación.

    Cronometre los movimientos de su personaje

    El mundo está gobernado por el tiempo. Aunque nuestros días son diferentes, todos nos movemos al sonido del mismo reloj. En lo que respecta a la animación, esta vez está bajo su control. Sin embargo, si se usa de forma irresponsable, los resultados pueden ser difíciles de leer y acabar dando al espectador una impresión equivocada.

    Los movimientos más felices y alegres suelen ser rápidos y agudos; por eso funcionan bien en los dibujos animados. También pueden ayudar a añadir exageración a un movimiento, y también añadir énfasis a medida que el héroe retrocede lentamente para accionar el punzón, que se acaba en un abrir y cerrar de ojos.

    Los movimientos más lentos pueden significar lo contrario, y a menudo se usan para mostrar que el personaje se siente deprimido o molesto.

    Mantenga el equilibrio de su personaje

    Una de las primeras cosas que aprendemos cuando somos niños es cómo levantarnos y dar nuestros primeros pasos. Hacer esto no es una hazaña fácil, ya que se necesita fuerza y, lo más importante, equilibrio. Con cada paso aprendes a cambiar tu centro de gravedad para asegurarte de que no te caigas. El centro de gravedad es un elemento importante a tener en cuenta en la animación.

    Trate de pararse con los pies separados y levante la pierna derecha del piso, pero haga esto mientras mantiene la cintura quieta. Es difícil resistir la tentación de mover la cintura sobre el pie izquierdo para evitar que se caiga.

    Cuando haces esto, estás cambiando tu centro de gravedad para mantener el equilibrio. Y, por supuesto, si tienes que hacerlo en la vida real, tendrás que asegurarte de que tus personajes también lo hagan.

    Reciclar animaciones básicas

    Mantenga las animaciones básicas en espera para que tenga más tiempo para centrarse en las sutilezas

    Este consejo en particular sólo funciona cuando se anima en el mundo virtual, pero es importante guardar las animaciones básicas y mantener un stock saludable de ellas listas.

    Incluso si se trata de una bicicleta básica para caminar o correr, puedes llevarla a una escena cuando trabajes en un nuevo personaje y darte una ventaja.

    Una vez que hayas aplicado este movimiento base, con todas las posturas principales y fotogramas clave en su lugar, podrás dedicar más tiempo a ajustar el tiempo, el peso y el estilo para que se adapten a la personalidad de ese personaje en particular.

    Usar un modelo básico

    Anime con un modelo proxy simple para mantener su flujo de trabajo ligero. Manipular un modelo de alta resolución en la ventana de visualización puede terminar causando una tensión en su sistema, especialmente cuando el modelo necesita deformarse y moverse con un esqueleto u otros deformadores complejos. Esto se nota más cuando intentas reproducir la animación en tiempo real y descubres que sólo ves uno de cada diez fotogramas.

    Cuando trabajes con el movimiento general de tu personaje, oculta el modelo de alta resolución y anímalo con un modelo proxy mucho más simple. Esta podría ser una versión reducida del personaje, o incluso unas cuantas cajas a escala para que se ajusten a las proporciones, pero esta versión te permitirá trabajar con fluidez en las principales áreas de movimiento antes de que vuelvas a traer el modelo de alto nivel de detalle para el trabajo de detalle más fino.

    Anticipación, acción, reacción

    Cada movimiento importante se puede dividir en tres áreas principales. Cuando usted rompe cada movimiento importante, puede dividirlo en tres áreas principales: Anticipación, Acción y Reacción. Si tomamos un simple salto como ejemplo, el personaje se dobla primero para construir poder, esto es la Anticipación. El salto en sí mismo es la Acción y luego el aterrizaje, con el impulso que los empuja hacia delante es la Reacción.

    Este principio funciona con muchos movimientos, como lanzar un puñetazo o balancear un bate. También puede ser utilizado en animación facial, e incluso exagerado para un efecto más cómico.

    Desplaza tus teclas

    Lograr el flujo natural de un elemento que se arrastra detrás de tu personaje, como una cola, puede ser complicado. La raíz permanece fija a la pelvis pero el movimiento tiene que seguir hasta la punta como una onda.

    Una manera rápida de lograr este movimiento es animar la base, y luego copiar esta animación al resto de las articulaciones. Inicialmente esto les dará a todos la misma acción, pero luego puede entrar y editar los fotogramas clave de cada articulación, desplazándolos hacia delante uno o dos fotogramas.

    Esto esencialmente retrasa la acción inicial en las articulaciones superiores, dándole un movimiento ondulatorio.

    No recrees todas las letras de los diálogos

    Al animar el rostro, y en particular la boca, es una buena idea tratar de no incluir todas y cada una de las letras de la palabra que el personaje está diciendo. Esto puede hacer que la boca se mueva demasiado rápido y a menudo da una apariencia errática.

    Si observas a las personas mientras hablan, verás que sus labios no forman físicamente cada letra, sino que lo que obtienes es un movimiento más general y orgánico que fluye a través de la oración.

    Tome un simple ‘Hola’ por ejemplo. Si saludas con la boca mientras te miras en un espejo, verás que tus labios forman más como un H-O-A, con la lengua haciendo una breve aparición para hacer el sonido de la L.

    Ant es un artista con gran experiencia en muchas áreas del CG. Ha sido un habitual en las páginas de 3D World durante muchos años y ha escrito numerosos tutoriales.

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    Cree animaciones naturales y profesionales con iClone Curve Editor

    6 marzo, 2019

    Descubra cómo crear animaciones de personajes vívidos, paso a paso, con el plug-in iClone Curve Editor.

    Este tutorial ha sido escrito por Andy Fang, artista senior de 3D de Reallusion Inc.

    Este tutorial comienza con la preparación de un personaje y el diseño de la actuación. Luego, pasaremos a animaciones de estilo de dibujos animados que crean poses para posar las teclas, ajustan el tiempo y utilizan el Editor de Curvas para añadir detalles como: facilitar los movimientos de entrada, salida, anticipación y seguimiento. Finalmente, nos dirigiremos a la configuración de la cámara y a la iluminación para completar todo el proyecto. Vamos a empezar!

    Paso 1: Preparar un personaje

    Un personaje da el primer vistazo a una animación. Por lo tanto, debe ser encantador y fácilmente identificable. Lo más importante es que tiene que ser el mejor candidato a actor para tu actuación. En este ejemplo, usamos un simple hombre azul para hacer un movimiento al estilo de los dibujos animados. Este personaje tiene una forma de cabeza aerodinámica, manos largas y pies grandes que son adecuados para animaciones fluidas.

    Paso 2: Desempeño del diseño

    Después de elegir tu personaje, te imaginas cómo se mueve. Asegúrate de diseñar la personalidad del personaje. Piense en si el actor es enérgico o lento. Entonces, tendrás una idea de cómo animarla. A veces, es mejor empezar con actuaciones como lanzar una pelota, saltar o ser sorprendido, ya que este tipo de animaciones pueden añadir fácilmente personalidad, actitud y simpatía a un personaje.

    Paso 3: Establecer la pose para posar la llave

    Simplificar sus animaciones con poses clave puede ser una buena manera de animar. La mayoría de las veces, las poses clave incluyen anticipación, actuaciones principales y reacciones. Basándonos en la fuerza de rendimiento, ajustamos el nivel de anticipación y reacción para mantener la consistencia en los movimientos. Además, puedes añadir algunas curvas de squash y estiramiento para aumentar la tensión entre las animaciones.

    Paso 4: Ajustar el tiempo

    Después de establecer las posturas iniciales, reproduzca sus animaciones unas cuantas veces para tener una idea. Es posible que algunas partes del rendimiento sean demasiado rápidas o lentas. Así que ajusta la distancia entre las teclas y trata de hacer que fluyan mejor con la fuerza.

    En este ejemplo, podemos ver que las teclas de la segunda a la cuarta están cerca una de la otra. Las segundas claves son para la anticipación, permitiendo que la tercera y cuarta claves proporcionen un salto poderoso. Puedes probar diferentes rangos entre estas teclas, lo que te ayudará a entender y visualizar mejor las relaciones entre distancia y fuerza.

    Paso 5: Utilice el Editor de curvas para fijar la trayectoria en movimiento

    El editor de curvas es una buena manera de manejar animaciones en movimiento. Por ejemplo, en los movimientos de salto, puede haber una curva hacia abajo para la posición inicial, el punto más alto y la posición final. Utilice tangentes para editar la forma de la curva para ajustar rápidamente las posiciones. Este proceso es como asignar una ruta a los personajes, haciendo que la animación sea simple e intuitiva.

    Paso 6: Utilice el Editor de curvas para añadir prestaciones de entrada y salida sencillas

    La mayoría de las veces, las animaciones lineales son muy parecidas a las de los robots. Un movimiento natural consiste en una curva suave con diferentes curvaturas. En este ejemplo, puede ver que la línea de movimiento izquierda es recta y nítida, lo que provoca que el rendimiento se vea repentinamente afectado.

    En la línea de movimiento derecha, usamos tangentes ajustando las transiciones para hacerlas suaves como una curva. Esto conducirá a movimientos más fluidos sin cambios de posición antinaturales. Además, con diferentes ángulos y longitudes tangenciales, puede controlar con mayor precisión el ritmo de la animación.

    Paso 7: Utilizar el Editor de Curvas para mejorar la Anticipación

    A veces, la anticipación es corta y no es fácil de observar. Usando el Editor de Curvas, puede aumentar la fuerza de la anticipación de una manera fácil. En este ejemplo, ajusto el grado de la columna vertebral y del brazo para enfatizar la fuerza de la anticipación con el fin de lograr un movimiento de salto más poderoso.

    Paso 8: Utilice el Editor de Curvas para añadir animaciones de seguimiento

    Un movimiento natural nunca se detiene inmediatamente después de una actuación potente. Debe extender su fuerza por un tiempo. En este ejemplo, usamos el Editor de Curvas para liberar la potencia de salto con poco movimiento a través de los pies y los brazos. La imagen muestra el proceso de edición de la pierna izquierda que se levanta más alto después de empujar el suelo para saltar.

    Paso 9: Compruebe los resultados

    Reproduzca la animación una y otra vez. Comprueba el rendimiento para ver si coincide con el estilo de personaje y la personalidad que has diseñado.

    Paso 10: Configurar la cámara y la luz

    Después de terminar la animación, busque un ángulo de cámara para observar claramente toda la representación. También puede ajustar la distancia focal para aumentar la tensión de la escena. Para la iluminación, hacer que el personaje destaque sobre el fondo siempre es un reto.

    Una buena relación entre la luz clave y la luz de la llanta podría llevar a la audiencia a centrarse en su personaje a primera vista. Además, iClone proporciona un excelente renderizado en tiempo real a medida que se anima, lo que reduce considerablemente el tiempo necesario para la producción. Además, facilita la inmersión de los animadores en la escena al dar vida a los personajes.

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    Crear mejores animaciones de personajes en Maya

    3 marzo, 2019

    ¿Existe una manera más confiable de exportar e importar pesos de piel en Maya?

    ¿Cuál es el problema?

    Todos hemos estado allí. Has pasado días pintando con esmero las pesas de tu personaje, asegurándote de que las extremidades se doblen y giren correctamente y de que la cara se emocione sin que se formen protuberancias o pellizcos extraños. Finalmente terminas y el cliente solicita un cambio en el equipo. Ahora te encuentras ante la posibilidad de una nueva piel a un esqueleto modificado.

    No hay problema, ¿verdad? Puedes simplemente hacer referencia al viejo equipo y modelo en la misma escena que el nuevo y usar la herramienta Copiar pesos de piel para transferir los pesos. El problema es que algunas de las articulaciones están demasiado juntas, así que copiar los pesos no funciona completamente, especialmente alrededor de áreas como la boca y los ojos.

    ¿Cómo se arregla?

    Entonces, ¿a qué te dedicas ahora? No tienes tiempo de repintar las pesas. Este es un problema al que se enfrentan los artistas técnicos todos los días y es algo que hemos llegado a esperar. Durante la producción, los aparejos, esqueletos y modelos cambian todo el tiempo, por lo que vale la pena ser capaz de reaccionar a estos cambios de forma rápida y eficiente.

    Existe la opción de exportar los mapas de peso utilizando la herramienta Exportar mapa de peso de la piel que se encuentra en el menú Skin. Esto ha existido en Maya desde que tenemos memoria. El problema es que esta herramienta genera un nuevo archivo de imagen por influencia que puede, con el tiempo, atascar su disco duro. Además, al estar basado en imágenes, a menudo puede dar lugar a imprecisiones en la importación.

    ¿Qué otras opciones tiene además de recurrir a plugins de terceros? Escondida, en la parte inferior del menú Deformar se encuentra la herramienta Exportar pesos del deformador, etiquetada como Exportar pesos e Importar pesos. Lo que hace esto fundamentalmente diferente es que exportará los pesos como un archivo XML, manteniendo su sistema más limpio y almacenando los pesos como una lista numérica. Como puede imaginar, esto ofrece resultados mucho más precisos.

    Lo que debe recordar es un nodo skinCluster, que almacena la información de peso en un modelo y está clasificado como deformador, por lo que la herramienta Exportar pesos del deformador seguirá funcionando y es una forma mucho mejor de conservar todo su trabajo duro.

    Ant es un artista con gran experiencia en muchas áreas del CG. Ha sido un habitual en las páginas de 3D World durante muchos años y ha escrito numerosos tutoriales.